Secret Sympathy
A variation on Guigui Kohon’s TX Suite.

“Oh, fairy who dances on the wounded, yellow summer”
L. Ortiz, The reed and the stream (1970).

     Getting lost in the forest, walking to nowhere, is perhaps the best possible way to know and experience. Venturing ourselves to the limit, in which to return we need to recognize those color marks on the trees which lead to possible exits –in case there were any– where to find shelter. The fantastic, the imaginary, is to discover a “forest path” – Holzweg – (Heidegger), to submerge in the thicket as an aesthetic experience. To hide in it so as to ignore the real and life: “art detaches us from that life, disengages us, dis-lives us, summing up, dis-realizes us...” The way (that) Kohon presents us her productions, that structure –TX Suite– allows us to see oneiric visions, projections, dreams, cosmic desires.
     Guigui Kohon uses the chromatic play –yellow, black, white, the subtle green (TX Suite, XXIII)– as if it were the Chinese Book of Changes. We find there the hexagram Kun (Earth), which in its fifth place shows the following:  “Yellow garments: essentially fortunate yellow is the color of the center and the garments decorate the interior of the body”.
     In 1908, the exquisite decadent writer Rémy de Gourmond published Couleur, a series of short stories which portrait weave – not without a symbolic and aesthetic intension – the psychic life of the characters in relation to colors. The titles of the three first stories are striking for us:  “Yellow”, “Black”, and “White”.  A chromatic triad – beginning - ἀρχή - (Arche) –origin–, maybe of the Kohon universe: “...not by choice, but because of a secret sympathy that is impossible for us to explain.”
     I assure that I do not intend to describe what I perceive. By being possessioned by TX Suite, I try to imagine what is not “there” but is inexorably expressed. The mere listing already confirms the whole universe: vanishing points, fragments of Euclid’s fifth postulate, the splinters of an oriental poem, the color of Zhang Yimou’s films, the yellow sprouts in the 13th Major Arcana of the Tarot of Marseille, just to mention a few...
     I speculate that the yellow in TX Suite suggests us the fluid. Water that a body absorbs, water that the body transforms, internalizes with its chromatic weave. Why that color and not another one? Could these images be presented in another color perhaps? I understand that we are facing an ontological resolution of Kohon’s.  We face the ardent display of the power of a color-body, of how the color shows its transforming power, its conatus.  It is extraordinary to perceive that in TX Suite there beats the conceptual atmosphere of the philosopher who stated: “Nobody has determined yet what a body is capable of.”
  Imperfect  cosmogony. Being the result of an artist that creates moved by his wish, he can only display an unfinished – parceled out – world from which, we, as spectators, try at best to complete; like a nature of ionized lines, like an Arche or origin of an ineffable universe. That “unfaithful yellow”, as Borges used to call it; maybe we are also destined to remember it as the writer remembers the tiger, the leopard: or we could think, in the best-case scenario, of a world through the spaces-fragment-suite.
     In alchemy, the yellow color was interpreted as the internal nature of man –his soul–; the identification is overly obvious because yellow cannot be but gold as the substance to discover, as the objective to transform and find in the search of the Philosopher’s Stone. The alchemist seeks the brightness, the solidity, the stone capable of building –like the bone-yellow– a structure... and we come again to the condition, the basis, the origin of the suite world.
     In Chinese mythology, as in TX Suite, the yellow symbol has a strong presence. In that millenary culture, it is given a significant role in the symbolic productions of their folklore, poetry and artistic representations. The emperors considered yellow to be their own color and used it in their garments. The great French sinologist Marcel Granet states that, to the eyes of that millenary culture, the order of the universe is not different from that of civilization. The Yellow Emperor said:  “The qi the fluids of the atmosphere and the body of the Earth has conquered. As the qi of the Earth had conquered, the yellow color was honored as the own color...” They also understood that the cosmic center was dyed with that color, yellow which springs –TX Suite XXI?– as a cartographic image of a poetic river: “And the Yellow River flows into the sea/ An immeasurable view of the world.” Some part of this oriental sensitiveness is continuously reflected in Kohon’s representations.    
  I will also mention –not without the obvious controversy as a result of audacity and concision– that an approach to the spaces of TX Suite suggests to me the idea of perceiving these artistic productions as conceptual plateaus, precisely to avoid any specific orientation in the interpretation that indicates the starting and ending points... To have the optical and perceptive rights to build my own images from what Kohon offers. I prefer to intuit in each TX Suite “connected multiplicities”, in which each suite can become intertwined with any other but none of them is the main one, all of them are simultaneous and, moreover, they form a small particle of cosmos, invisible but present, like an organism in process which finally creates a “semiotic game.”
     Coda: in conclusion, I cannot think of a higher praise for Guigui Kohon than the verse below: “Only shades of yellow stay with me.”    

 Martín Glatsman (Philosopher - Essayist), 2018.
Translated by Florencia Bellini.


Secreta simpatía.
Variación sobre TX Suite de Guigui Kohon.

“Oh, hada que baila sobre el estío herido, amarillo”
L. Ortiz, El junco y la corriente (1970).

     Perderse en el bosque, caminar hacia ninguna parte, tal vez sea la mejor forma posible para conocer y experimentar. Llegar a aventurarnos hasta el límite en que para volver necesitamos reconocer aquellas marcas de colores en los árboles que nos conducen a las múltiples salidas -en el caso de que las hubiera- en donde cobijarse. Lo fantástico, lo imaginario es descubrir un “camino del bosque” -Holzweg- (Heidegger), sumergirse en la espesura como experiencia estética. Emboscarse para poder desatender lo real, la vida: "el arte nos despega de esa vida, nos desprende, nos des-vive, en suma nos des-realiza...” La forma en la que Kohon nos presenta sus producciones, esa estructura –TX Suite- nos permiten vislumbrar imágenes oníricas, proyecciones, sueños, deseos cósmicos.
     Guigui Kohon hace uso del juego cromático –amarillo, negro, blanco, el sutil verde (TX Suite, XXIII)- como si del Libro de las Mutaciones chino se tratara. En el mismo encontramos al hexagrama Kun –Tierra-, que indica en su quinto lugar lo siguiente: “Vestiduras amarillas: fundamentalmente afortunado–el amarillo es el color del centro y las vestiduras adornan la parte interior del cuerpo”-.
     En 1908, el exquisito decadentista Rémy de Gourmond publicó Couleur. Una serie de relatos cortos que traman -no sin intensión simbólica y estética- la vida psíquica de los personajes en relación a los colores. Los títulos de los tres primeros cuentos son llamativos para nosotros: "Amarillo", "Negro" y "Blanco".  Triada cromática -principio -ἀρχή-  (Arjé)- origen-; tal vez del universo  Kohon: " por elección sino por una secreta simpatía que nos es imposible explicar".
     Aseguro no querer describir lo que percibo. Al posesionarme en TX Suite, intento imaginar aquello que no "está" pero que inexorablemente se expresa. La mera enumeración confirma ya al universo entero: líneas de fuga, fragmentos del 5° postulado de Euclídes, las esquirlas de un poema oriental, el color de las películas de Zhang Yimou, los brotes amarillos en el Arcano Mayor XIII del Tarot de Marselle, sólo por nombrar algunos…
     Conjeturo que el amarillo de TX Suite nos sugiere el fluido.  Agua que absorbe un cuerpo, agua que el cuerpo transforma, interioriza con su trama cromática. ¿Por qué ese color y no otro? ¿Acaso estas imágenes podrían presentarse en otro color? Entiendo que estamos ante una resolución ontológica de Kohon. Nos enfrentamos a la ferviente muestra del poder de un cuerpo-color; de cómo éste demuestra su potencia transformadora, su conatus. Es extraordinario percibir que en TX Suite palpita la atmósfera conceptual del filósofo que afirmaba: "Nadie hasta ahora ha determinado lo que puede un cuerpo".
     Cosmogonía imperfecta. Producto de un artista que crea por deseo, sólo puede mostrar un mundo inacabado -parcelado- desde el cual nosotros como espectadores intentamos, en el mejor de los casos, completarlo; como una naturaleza de líneas ionizadas, como un Arjé u origen de un universo inefable. Ese "amarillo infiel" como solía denominarlo Borges; acaso también nosotros estamos destinados a recordarlo como el escritor al tigre, al leopardo: o en el mejor de los casos conjeturar un mundo a través de los espacios-fragmento-suite.
    En la alquimia se interpretaba con el color amarillo la naturaleza interna del hombre -su alma-; la identificación es por demás evidente ya que el amarillo no puede ser sino el oro como sustancia a descubrir, como objetivo a transformar y encontrar en la búsqueda de la Piedra Filosofal. El alquimista busca el brillo, la solidez, la piedra que pueda construir -como el amarillo-osamenta- una estructura... y otra vez estamos en la condición, la base, el origen del mundo suite.
     En la mitología china como en TX Suite abunda el símbolo amarillo. En esa cultura milenaria, se le otorga un espacio destacado en las producciones simbólicas de su folklore, de su poesía y de sus representaciones artísticas. Los emperadores lo consideraban como su color propio y lo utilizaban en sus vestimentas. Refiere el gran sinólogo francés Marcel Granet que para esa cultura milenaria el orden del universo no es distinto del de la civilización. El Emperador Amarillo dijo: “El qi – los fluidos de la atmósfera y el cuerpo- de la tierra ha conquistado. Puesto que el qi  de la tierra había conquistado, como color propio honró al amarillo…”  También comprendían que el centro cósmico estaba teñido de ese color, el amarillo que brota –¿TX Suite, XXI?- como imagen cartográfica de un río poético: “Y hacia el mar corre el Río Amarillo. / Inabarcable mirada del mundo. / Algo de esta sensibilidad oriental se desliza continuamente en las representaciones de  Kohon.
     Refiero además –no sin obvia polémica por la audacia y la brevedad- que una aproximación a los espacios TX Suite, me sugiere la idea de percibir estas producciones artísticas como -mesetas- conceptuales, justamente para evitar toda orientación específica en la interpretación que indique los puntos de partida y de llegada… Tener el derecho óptico y perceptivo de construir mis propias imágenes a partir de lo ofrecido por Kohon. Prefiero intuir en cada TX Suite multiplicidades conectadas en donde cada suite puede entrelazarse con cualquier otra, pero ninguna es la principal, todas son simultáneas y además forman una pequeña partícula de cosmos invisible pero presente, como un organismo en proceso que configura finalmente un “juego semiótico”.
     Coda: en definitiva, no encuentro mejor elogio para Guigui Kohon que el siguiente verso: “Ahora sólo perdura la forma amarilla”.   

Martín Glatsman (Filósofo-Ensayista). 2018.

Hoornik #10, pág 48

Hoornik #10, pág 49

Exhibition at Argentinian Embassy, Washington D.C. 2019

Outside the frame
Curator Sergio Bazán.

Outside the frame. 
A hasty look could indicate three very different ways of approaching painting. However, the vehement insistence of leaving the frame, pushing the limits of the canvas, runs through the works of Andrea Fried, Guigui Kohon and Luciana Levinton. It is not by chance that the three liberate the work of a specific plan. There are no sketches. The starting point is an idea that will navigate free through the canvas finding courses and channels and will overflow the margins.
Fried's work demonstrates the importance of color in contemporary geometric abstraction. In a non-preconceived order, stripes of fluorescent colors are followed by other colors that play a counterpoint. This turbulence alternates with white stripes that speak of emptiness and plenitude. An oval as the center of the triptych presented here, invites us to meditation.
Kohon develops her work in a game of depths where nothing is what it seems. We approach and move away from a disturbing structure trying to penetrate the multiple layers in which the artist proposes us to decipher an enigma. But which? Perhaps the key is to invert the terms: light would be shadow, and darkness a space to glimpse a possible route.
Levinton starts from a small element, which she changes in scale and transports it on the surface of the canvas, approaching it from numerous points of view: an invitation to play with her and explore. The element in question is a clear allusion to Lygia Clark’s Bichos, as well as a tribute to the Brazilian artist. And like these, the importance is not in their form but in their organicity and possibility of movement. When moving this element on the canvas, Luciana constructs a mysterious weft that leads to an architecture that is as impossible as suggestive.
   Close to the edge - thus the title of the exhibition - leads us to reflect on this playful space of roaming and exploring the borders. Locus of beauty as much as agitation.
Approaching the works of these three artists is perhaps recognizing that we can exist in the boundaries.

Lucía Warck Meister.

Exposición en la Embajada Argentina, Washington D.C. 2019.

Cerca de la orilla.
Curador Sergio Bazán.

Fuera del marco.
Una mirada apresurada podría indicarnos tres formas muy diferentes de abordar la pintura. Sin embargo la vehemente insistencia de salirse del marco, de empujar los límites de la tela, recorre las obras de Andrea Fried, Guigui Kohon y Luciana Levinton. No es casual que las tres liberen a la obra de un plan especifico. No hay bocetos. El punto de partida es una idea que navegará libre por la tela encontrando cursos y cauces y desbordará los límites.
  La obra de Fried evidencia la importancia del color en la abstracción geométrica contemporánea. Se suceden así, en un orden no preconcebido, fluorescentes hipnóticos seguidos de otros colores que les juegan un contrapunto.  Esta turbulencia alterna con blancos que hablan de vacíos y plenitud a la vez. Un óvalo como centro del tríptico que aquí presenta, nos invita a la meditación.
   Kohon desarrolla su obra en un juego de profundidades donde nada es lo que parece. Nos acercamos y alejamos de una estructura inquietante tratando de penetrar las múltiples capas en las cuales la artista nos propone adentrarnos en un enigma. Pero, ¿cuál? Quizás la clave está en invertir los términos: lo que es luz sea sombra, y la oscuridad un espacio para vislumbrar un posible recorrido.
   Levinton parte de un elemento pequeño, que cambia de escala y lo transporta sobre la superficie de la tela abordándolo desde numerosos puntos de vista. Nos abre de esta manera la puerta a jugar con ella e investigarlo. El elemento en cuestión es una clara alusión a los denominados Bichos, de Ligya Clark, además de un homenaje a la artista brasileña. Y al igual que éstos, su importancia no está en su forma sino en su organicidad y posibilidad de movimiento. Al trasladar este elemento sobre la tela construye una misteriosa trama que desemboca en arquitecturas tan imposibles como intensamente sugerentes.
Cerca de la orilla -tal el título de la exposición-  nos lleva a reflexionar sobre ese espacio lúdico de recorrer y explorar los bordes. Locus de la belleza tanto como de la agitación. Acercarnos entonces a las obras de estas tres artistas es quizás reconocer que podemos existir en los límites.                                          Lucia Warck-Meister, 2019.

The value of the word, Guigui Kohon speaks.
Interview by Leda Daverio.

  In this interview Guigui Kohon speaks about her new work “100/100 Jewelry Waste” concerning the Open Sky mining project in Argentina and talks about her experience leading Accessory Design at Buenos Aires University of Fashion Design UBA; FADU (Chair Kweitel-Kohon).  She also remembers her time at Escola Massana and gives her opinion about the reality of contemporary jewelry in Argentina.
  The work of Guigui Kohon calls our attention to the panorama of design in contemporary Argentine jewelry.  In her work there is a conceptualization that is not habitual or careful.  Her projects have a clear critical discourse, so that the reality surrounding the traditional codes assigned to jewelry are not so predictable.Approximately 15 years ago she graduate of architecture from UBA, left to try her luck in Barcelona. Her voyage opened the doors to the world of jewelry, and also confirmed that in the future she would be more Guigui and less Adriana, “When I was little, everyone called me Guigui, it’s a familiar nickname. I feel like I am myself when I am Guigui Kohon, when I started sending my pieces for competitions, I loved the ambiguity and anonymity of “Guigui Kohon”, no one knew if this name was European, Japanese, or if it was a woman or man, and the theme of identity, with which I also work, was presented.

LD- In 1997 Kohon decided to specialize in jewelry at Escola Massana. “While studying architecture I did drawing, ceramics and glass workshops.  
GK- When I went to live in Barcelona I said, I will devote more to the artistic.  One day I entered a gallery that had pieces of jewelry I loved, and I thought ‘This is what I want”’. It is on a small, portable scale, it feels like more of a personal representation, so I thought, I’m going to study jewelry. That's when I started at Massana.  What’s funny is that the director of Massana at that time was Puig Cuyás, and when I met him and saw his work I discovered that it was his pieces that were in the exposition in the gallery.  Sometimes these magic coincidences happen, you don’t know why, but in a moment they can make everything clear.
LD-Puig Cuyás came up multiple times during our chat, Guigui described him lovingly “like a great teacher, like a teacher that stays with you throughout life”.  It was he who wrote one of the texts in the book Jewelry Waste  and also one of her first shows Passport.
GK- “When someone writes about your work you start to read and discover things that maybe you hadn’t realized you were thinking.  He always asked us to write about our work, he said that this would really help. In the methodologies of the class, he showed us slides of jewelry and spoke a lot, grabbed a piece and began talking, and talking, when he finished, you were left wondering what to do next, how to continue…”
LD- Passport was assembled in 2002, during her time at Massana.
GK- It was an installation with two opposing walls in the middle of the room, one of them had a Spanish passport printed in a large size with pieces you could tear off, so people could take the part they liked the most. “I had prepared some scapulars, transparent frames on necklaces with golden tassels for the piece of the passport they chose, then I took polaroid photos of the visitors with the scapular, then they hung it on the other wall.  While they modified the wall of the passport they created something on the other wall.  It was an assemblage of the people behind the passport.
In Spain it’s all about the illegal, about identities, the passport is like a piece of personal value, for me it has more worth than a diamond ring.  I felt like an immigrant, I lived 12 years in Spain but I always felt like an outsider.  Now that I have come back I don’t feel entirely a part of this place either - I have learned to live with this rootlessness, but one thing is personal rootlessness, which I sometimes feel here, and the other thing is the question “where are you from?” it’s a way of stigmatizing someone, if you are Argentine you have an added worth which is noted by the Spanish - because at one time the Argentines aided the Spanish - if you are African or came from Ecuador or Peru, this is not as appreciated.  Only by responding to the question “where are you from”, can you enter into one classification or another.  When you are talking about passports you are talking about this worth.
LD-How was your experience with Peu de Reina group?  
GK-They were my classmates, the plan was for us to come together and generate a space of new growth in the world of jewelry.  When we finished school we said we wanted to start participating in courses and to start to make our own.  We found we could start activities; projects that we felt could not happen in Barcelona. So, with the sponsorship of FAD we organized workshops -meetings where we invited people who we wanted to hear speak about jewelry-. We did not want our jewelry to be inside galleries, such small places where only the same people go, so we proposed making an exposition which FAD would hold every year with it’s members, inside a beautiful building. We then came up with an alternative idea, we proposed hanging pieces of jewelry in different windows of the shops most representative of “El Raval”, the neighbourhood where FAD is. We made a map, marked points for the exposition, and it was great because we could talk, for example, with antique fabric stores, pharmacies, bakeries.  We also made our website, which continues to function, showing our works. Our intention was for Peu de Reina to grow, in the end those of us who were friends stayed, we got along well and wanted to develop things. Francisca Kweitel later came to Argentina, and when we made the workshops she said she wanted them to happen in Buenos Aires too, so we tried them out in the Centro Cultural Recoleta.
LD- How was the beginning of Jewelry Waste?
GK- Jewelry Waste. Was born out of the exposition "Gray Area" in Mexico City, curated by Metalistería Gallery.  The idea for the show began in 2009, Guigui Kohon had recently arrived from Barcelona and the title was “Heterogeneity of the Rio de la Plata”.  “Everyone had to show a piece in a photograph, and it made me think of the open pit mining, a topic that, back then, was not talked about as much as it is now.  For the exhibition I wanted to make a picture of myself with a background of a mine, I wanted my jewelry to be the photo of the mine, that was enough, it was about the expression of my face, hands, it was like a reinterpretation of the image of the Mona Lisa” Kohon recalls how difficult it was to find a picture of the mine, she looked on the internet, she contacted with Non-Governmental Organisation, until someone said that the Viva Magazine had made an article about the mine. She finally found a photo of a mine in Veladero, in San Juan, taken by Rubén Digilio, a photographer for the Clarín newspaper, in Argentina. When we started looking at the photos. We decided to invite the photographer Rosana Schoijett, and she said she wanted to do portraits of jewelers with their pieces, she was interested in the project but asked for the freedom to do her own work.  In the end, the portraits were made with a black background, and at first it seemed like something was missing. Guigui Kohon posed with one of the 100 brooches made ​​from the stamping of the photo printed on canvas.  The brooches, very simply made, have an acrylic capsule on the front that is filled with the dust that is the result of working with metal, and on the back all the elements involved in the production of minerals, such as water, oxygen, cyanide, and lead etc.
LD-However, Guigui Kohon did not abandon the original idea of her portrait and, along with other photos and text, she decided to make a book that accompanies and reinforces the idea of the broches.
GK- At this point, the 100/100 Jewelry Waste project was complete. "The issue of process is something we talked about at the university, one has an idea but to translate it later is very difficult, you do not always understand what you are making as you are going through the process.  I did not have an instantly formed, complete idea that I would make a project about waste jewelry, and a book, exactly how they turned out.  It’s a process of creating, if I had not had all the problems I encountered during my process, I would not have generated the same result.”
LD- Puig Cuyas wrote in your book 100/100 Jewelry Waste, he says that the brooch series questions the social function of the jewel as an amplifier of identities. What do you think about that?
GK- I like it if you can generate a debate, it is an achievement that you can think of that questioning. Equally you can think that they are 100 and that has no value, or that they are 100 individuals, each piece is an individual. A big photo on canvas of an open pit mine in San Juan, with hundred cuts, each one have a color, a different part of the mine. There is a work by Eva Hesse, an installation whith ome bowls, I think there were 60 by 60 bowls that seem soft from the view but if one touches them they are rigid, they are all similar but they are different, I think there is a game with that. They are equal? No, they have something different. In this case, each brooch has dust from the garbage of jewelry, the dust is the mixture of all the residues of all the pieces that I have made or found during all these years, I am interested in that mixture of questions.
LD- What is your position in relation to the trade?
GK- I was never good at the craft of jewelry, sometimes limitations are alternatives. I think it is important to master the technique, if I want to make a circle I would have to do it well, but nowadays in art this is in doubt. If I order a factory to cut a piece, how does the so-called handicraft trade affect or not a real jewel? For example, in 100 Jewelry Waste brooches, what I did, in fact, was only assemble all the parts, there is no polishing work and there are several outsourcing I also play with that, instead of doing just one piece, I made 100. What happens when it is a unique piece? What happens when it's design? Because if you do a lot of amount is considered design, then 100/100 Jewelry Waste  is the decomposition, I try to break with what is known as jewelry, there is a game, there is an intention.All the pieces that say something to me have a knowledge, it can be for their meticulousness, for their good workmanship, as well as for their concept, maybe this done by a jeweler, an artist, or is entrusted to a third person or company. For example, I really like the work of Ted Noten, which is very conceptual, when he ordered the Mercedes cut and made pins and pins, it's a bit like the passport, right? The Mercedes is an element of value in itself. I'm getting closer, I'm excited and I'm interested in this, I'm not close to the manual, and every time I feel less at the jeweler's table. Now I'm doing photography, drawing but suddenly I go back and do something minimal, I'm dematerializing the concept of what conventional jewelry is to me. The last thing I did was a ring that is really a ring with a picture that is breaking, it is called the Impossible Ring, it is a ring that you can not wear because it is not attached. Did you see when sometimes you put the pieces on your work table and say ahh now I'm going to put it together and this is going to be my ring, my jewel, my brooch! Well, it's like that but finally I said to myself "I'm not going to unite" ... I only keep the idea of ​​the possible union to generate it. There is much questioning behind and the truth, I do not know where my work is going.
LD- This summer, together with Francisca Kweitel, Guigui Kohon won the contest to head a new course within the art department at UBA - Design Accessories for the apparel major.  The department is called Kweitel-Kohon, and seems to be an unexpected fortunate event resulting from the activities of jewelry making
-How is your experience in you Chair at the University?
GK -I am learning more about the practice and I am learning a lot from the students, it is an incredible opportunity for me, a privilege to go back to school in this way.  We started in March, becoming a teacher is not an easy process, you have to do the work, it doesn’t happen overnight. It’s more of an artistic, kind of poetic proposition – where the accessory is born out of the student’s creativity, it’s not about a formal, regulated process.  The base element is the student’s work, we can give them a reference to work off of, but with an inside view, and their own internal reflection in an exercise.  I would have loved, when I was going to university, to have been able to discover this world that no one had showed me, it took me many years to discover everything I now know, and we try to share this information with the students, so that going forward they can access it.
LD -What do you think about contemporary jewelry in Argentina today?
GK- I am very far from jewelry, more and more I am questioning it I want to "jewelry" as it is understood in this field. There are very interesting jewelers, but l there is too much “design” in jewelry, this happens everywhere. In Spain there is a lot of design jewelry, very good because it is commercial, it is well finished, it is wearable, but for me it is lacking in meaning (there are exceptions, not because a piece is serialized loses its meaning). On the other hand the title: "contemporary jewelry"/"author's jewelry" I do not recognize their edges, their differences, their limits, I do not understand what happens with one an  the other.I do not know what my work name  is, I do not know where I can place it. I think that jewelry, at this moment, should go a step further, until now I understand that a lot has been done, but Jewelry has to take another step forward.
LD- What components should not be missing in a school of jewelry?  
GL- Projects. It would be like if a graphic designer only taught CorelDraw or how to use a computer.  You have to go out into the world, read a newspaper, go into a supermarket, have contact with people, be surprised by things and talk, share.  If you can’t have a dialogue about how to create, and then someone comes and says you have to design something for them, it helps to be very handy with a computer but… without this life experience something would be missing. Everyone is creative but it must be strengthened, we all have the capacity, I think that’s why a course with related projects helps to enhance what we have inside. Furthermore, when one is excited and wants to do something, they find the way.  My teacher from Massana, Ramón Puig, said that to only teach technique to the students makes them bored.  Whatever the subject is, you have to teach from the project to later be able to apply and find help from the technique.
LD- And what might this step be?
GK-To become closer to the artistic thought that is happening in the art world right now.  Jewelers always complain that we are considered a trade and that we aren’t valued in the art world, I think that what we need to do now is go more into that world.
LD- Can you think of how?
GK- Experimenting, working, studying, meeting other artists, reading, creating, definitely creating, like life, no? Working...

Interview: Leda Daverio.
Advice: Omar Ardiles
Translated by: Willow Kaspryk.
El valor de la palabra, Guigui Kohon habla.
Entrevista realizada por Leda Daverio.

  Entre otras cosas, sobre “100/100 Basura de Joyería” su nuevo trabajo en relación a la minería a cielo abierto, cuenta su experiencia en la cátedra de Diseño de Accesorios que comparte junto con Kweitel en UBA-FADU, recuerda su paso por la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona y opina sobre la actualidad de la joyería contemporánea argentina.
  La obra de Guigui Kohon llama la atención dentro del panorama de la joyería contemporánea argentina, en sus trabajos hay una conceptualización no habitual y muy cuidada. Sus proyectos también tienen un claro discurso crítico, tanto de la realidad que la circunda como de los códigos tradicionalmente asignados a la joyería, que no es muy común por estos sures. Hace aproximadamente 15 años esta arquitecta argentina recibida en la UBA, partió a probar suerte a Barcelona. Este viaje le abriría las puertas a la joyería, y también a la confirmación de que en adelante sería más Guigui y menos Adriana, “cuando era pequeñita tardé en hablar y a todo le decía era gui-gui y así surgió mi apodo familiar. Para mi soy yo cuando soy Guigui Kohon, cuando empecé a mandar mis piezas a concursos, no sabían si mi nombre era nombre de hombre o mujer; la ambigüedad y el anonimato me gustaban  muchísimo que junto al tema de la identidad que también trabajo, se fueron presentando.
LD-En 1997 Guigui decidió estudiar la especialidad de joyería en la carrera de artes y oficios en la Massana, Barcelona.
GK- Mientras realicé la carrera de arquitectura hice talleres de dibujo, de cerámica, de vidrio. Cuando me fui a vivir a Barcelona decidí dedicarme más a la parte artística. Un día entré en una galería que tenía piezas de joyería y me encantó, pensé ¡esto es lo que quiero! es una escala pequeña, que puede viajar, que te puede representar. Y decidí estudiar joyería en La Escola Massana, lo curioso fué que el director de la Massana era Puig Cuyas y cuando lo conocí y vi su obra descubrí que eran de él las piezas que estaban expuestas en aquella galería. ¡Son esas cosas mágicas que suceden! Uno no sabe bien por qué, pero en un momento cierran.
LD- Aparece varias veces en la charla Puig Cuyás, Guigui lo describe con cariño como un gran maestro, como los maestros, que te acompañan en el tiempo. Fue él quien escribió uno de los textos del libro “Basura de Joyería” y también de una de sus primeras muestras Pasa Porte.
GK- Fue super generoso, además cuando alguien escribe sobre tu obra empezás a leer y descubrís cosas que tal vez las pensaste. Siempre nos pedía que escribiésemos sobre nuestro trabajo, que eso nos iba a ayudar. En las metodologías de las clases también venía con libros, nos leía, nos pasaba diapositivas de joyeros y hablaba mucho, agarraba una pieza y empezaba a hablar, y a hablar, cuando terminaba decías qué hago, cómo sigo…
LD- Pasa Porte fue montada en el 2002, durante tu paso por la Massana.
GK- Era una instalación con dos paredes enfrentadas en el medio de la sala, de una de ellas colgaba un pasaporte español impreso en tamaño grande y troquelado, la gente se llevaba la parte que más quería. Yo había preparado unos escapularios, collares transparentes con unas borlas doradas, en los que se ponía el trozo de pasaporte elegido, y con una polaroid sacaba la foto de la persona con el escapulario colgado y la pegaba en la otra pared, mientras se modificaba la pared del pasaporte se generaba el otro lado que son las personas, las personas que están detrás de esas imágenes.
En España hay todo un tema sobre la ilegalidad, sobre las identidades, tomé el pasaporte como una pieza de valor, para mí tiene más valor que un anillo de brillantes. Yo me sentí inmigrante, viví 12 años en España pero me sentí muy afuera, ahora que regresé tampoco me siento totalmente de acá, ya aprendí a vivir con  el desarraigo, pero una cosa es el desarraigo personal, que tal vez lo siento aquí, y otra cosa es la pregunta ¿y tú de dónde eres? Yo nací en argentina, pero no soy argentina, tampoco soy española. La pregunta ¿y tú de dónde eres? es una forma de estigmatizar a una persona, si sos argentina tiene un valor agregado que para los españoles está muy bien, porque en su momento los argentinos ayudaron a España, si sos africano o venís de Ecuador o Perú ya no está tan bien. Sólo por contestar de donde sos, entrás en un formulario o en otro, cuando hablaba del pasaporte hablaba de ese valor.
LD- ¿Cómo fue tu experiencia con el  grupo Peu de Reina?
GK- Eran compañeras mías en las clases, la intención fue juntarnos y generar un espacio de gestión dentro de la joyería. Cuando terminamos la escuela dijimos, queremos aparte de participar en los concursos y de tener nuestro taller, encontrarnos entre nosotras, poder gestionar actividades, cosas que sentíamos que no pasaban en Barcelona. Entonces organizamos  jornadas, encuentros de debate donde invitábamos a gente que queríamos escuchar hablar sobre joyería, con el auspicio del FAD (Asociación Orfebres- Fomento a las Artes Decorativas). Después quisimos que la joyería no estuviese dentro de las galerías, estos centros tan diminutos donde siempre van las mismas personas, y propusimos curar una exposición que cada año hacía el FAD con sus socios, en un edificio muy bonito pero que siempre van los mismos y está siempre cerrado. Propusimos que en distintos negocios representativos del Raval, el barrio donde está el FAD, se exhibieran las piezas, armamos un mapa, pusimos puntos de exposición y fue genial porque hablamos, por ejemplo, con las tiendas de telas muy antiguas, farmacias, panaderías.También hicimos la web, que todavía sigue funcionando, donde están los trabajos de todas nosotras. La intención era que Peu de Reina pudiese crecer, al final quedamos las que éramos amigas, nos llevábamos bien y teníamos ganas de gestionar cosas. Francisca Kweitel  se vino después para Argentina, y cuando hicimos las jornadas dijo, yo también quiero que esas jornadas existan en Buenos Aires, y las gestionó en el Centro Cultural Recoleta con una muestra.
LD- ¿Cómo se generó Basuradejoyería?
GK- Nació a partir de la muestra que la galería Metalistería llevó al encuentro de joyería “Área Gris” en México DF. La muestra comenzó a pensarse en el 2009, Guigui Kohon estaba recién llegada de Barcelona y el título era “Heterogeneidad del Rio de la Plata “.”Cada una tenía que hacer una pieza o mostrar una pieza en una fotografía, me puse a pensar en la minería a cielo abierto, tema del que, en ese momento, no se hablaba tanto como ahora. Para la exposición quería hacer un retrato mío con el fondo de una mina, quería que mi pieza de joyería fuese la foto de la mina, era suficiente, era el gesto de mi cara, las manos, era como una reinterpretación de la imagen de la Gioconda”. Kohon relata que le costó mucho conseguir una foto grande de una mina, buscó en internet, se contactó con ONGs, hasta que alguien le comentó que la revista Viva había hecho un artículo sobre el tema. Finalmente consiguió una foto de la mina Veladero, de San Juan, sacada por Rubén Digilio, fotógrafo de la revista del diario Clarín. Cuando empezamos con las fotos, nos reuníamos entre las joyeras de Metalistería para ver qué iba a exponer cada una porque tenía que haber una coherencia. Se decidió invitar a la fotógrafa Rosana Schoijett y se le dijo que queríamos hacer retratos de joyeras con sus piezas, ella se interesó en el proyecto pero pidió libertad de acción para su realización. Finalmente, los retratos se realizaron  con fondo negro, y lo pensado en un primer momento tuvo que modificarse. Guigui Kohon posó con uno de los 100 broches que realizó a partir del troquelado de la foto impresa en tela. Los broches, de confección muy sencilla, muestran en la parte delantera la limalla o el polvo que se genera al trabajar con metal, encerrado en una caja de acrílico, y atrás están escritos todos los elementos que intervienen durante la producción de los minerales, como agua, oxígeno, cianuro, plomo, etc.
LD-  Sin embargo, Guigui Kohon no abandonó la idea inicial de su retrato y junto con otras fotos y textos, decidió armar un libro que acompaña y refuerza la idea de sus broches. Fue así como finalmente su proyecto 100/100 Basura de Joyería quedó terminado.
GK- El tema del proceso es algo que hablamos en la cátedra, uno tiene una idea inicial y después plasmarla es muy difícil, uno tiene que saber que lo que plasma no es lo que  tiene en la cabeza, a mí no me pasa que de repente digo, voy a hacer Basura de Joyería, va a ser un libro, va a ser así. Es un proceso de trabajo, si no hubiese tenido todos los inconvenientes que tuve no se hubiese generado esto.
LD- En el texto que escribió Puig Cuyas para tu libro dice que la serie de broches cuestiona la función social de la joya como amplificadora de identidades ¿qué pensás sobre eso?
GK- Me gusta si se puede generar un debate, ya es un logro que se pueda pensar ese cuestionamiento. Igualmente se puede pensar que son 100 y eso no tiene valor, o que son 100 individualidades, cada pieza es un individuo. Yo troquelé tal cual estaba la foto de una mina a cielo abierto en San Juan, cada corte es una parte diferente de la mina, cada una tiene un color diferente, en realidad. Hay una obra de Eva Hesse, una instalación de unos cuencos, creo que eran 60 por 60 cuencos que parecen blandos desde la vista pero si uno los toca son rígidos, son todos  parecidos pero son diferentes, creo que hay un juego con eso ¿no? ¿son iguales? No, tienen algo que son diferentes. Cada broche tiene polvo de la basura de joyería, el polvo es la mezcla de todos los residuos de todas las piezas que yo he hecho o encontrado durante todos estos años, me interesa esa mezcla de preguntas.
LD- En el texto que escribió Puig Cuyàs para tu libro dice que la serie de broches cuestiona la función social de la joya como amplificadora de identidades ¿qué pensás sobre eso?
GK- Me gusta si se puede generar un debate, ya es un logro que se pueda pensar ese cuestionamiento. Igualmente se puede pensar que son 100 y eso no tiene valor, o que son 100 individualidades, cada pieza es un individuo. Yo troquelé tal cual estaba la foto de una mina a cielo abierto en San Juan, cada corte es una parte diferente de la mina, cada una tiene un color diferente, en realidad. Hay una obra de Eva Hesse, una instalación de unos cuencos, creo que eran 60 por 60 cuencos que parecen blandos desde la vista pero si uno los toca son rígidos, son todos  parecidos pero son diferentes, creo que hay un juego con eso ¿no? ¿son iguales? No, tienen algo que son diferentes. Cada broche tiene polvo de la basura de joyería, el polvo es la mezcla de todos los residuos de todas las piezas que yo he hecho o encontrado durante todos estos años, me interesa esa mezcla de preguntas.
LD- ¿Cuál es tu postura en relación al oficio?
GK- Yo nunca fui del todo buena en el oficio, a veces las limitaciones de uno son alternativas. Igual me parece que es importante poder dominar la técnica, que si yo quiero un círculo me pueda salir bien, pero también hoy en día en el arte está en discusión, si yo mando a troquelar una pieza, hasta qué punto el tema del oficio afecta o no a la joya. Por ejemplo, en cuanto a los 100 broches que hice en relación a Basura de Joyería, lo que hice, en realidad, fue montar todas las partes, no hay trabajo de pulido y hay tercerizaciones. Juego también con eso, en vez de hacer una pieza hacer 100,  qué pasa cuando es pieza única, qué pasa cuando es diseño, porque si hacés mucha cantidad ya es diseño, entonces Basura de Joyería es la descomposición , es tratar de romper con lo que se conoce como joyería, hay un juego, hay una intención.Todas las piezas que digan algo tienen un saber, puede ser por su minuciosidad y por su bien hacer, como por su concepto, tal vez es algo que decidió hacer un joyero o un artista y lo mandó a hacer a un tercero. Por ejemplo, a mi me gusta mucho la obra de Ted Noten, que es muy conceptual, cuando él mandó a cortar el Mercedes e hizo pins y broches, es un poco como el pasaporte ¿no? el Mercedes es un elemento de valor en si mismo. Cada vez estoy más cerca, me entusiasma y me interesa esto, no estoy cerca de lo manual, y cada vez me siento menos en la mesa de joyero. Ahora estoy haciendo fotografía, dibujo pero de repente vuelvo y hago algo mínimo, estoy desmaterializando el concepto de lo que es para mí la joyería convencional. Lo último que hice fue un anillo que en realidad es un aro con una foto que se está rompiendo, se llama el "Anillo Imposible", es un anillo que no te podés poner porque no está unido. ¿Viste cuando a veces montas en tu mesa de trabajo las piezas y decís ahh ahora lo voy a  montar y esto va a ser mi anillo, mi joya, mi broche! Bueno, es como eso pero finalmente me dije "yo no lo voy a unir"… sólo me quedo con la idea de la posible unión para generarlo. Hay mucho cuestionamiento detrás y la verdad, no sé hacia dónde va mi obra.
LD- Este verano, junto con Francisca Kweitel, Guigui Kohon ganó el concurso para dirigir una nueva cátedra dentro de la materia Diseño de Accesorios, de la carrera de indumentaria de la UBA. La cátedra se llama Kweitel-Kohon y, por la alegría manifestada en su rostro, parece ser una de las actividades que la reconcilian con la joyería.  ¿Cómo es tu experiencia en la cátedra?
GK- Se aprende más sobre la práctica y soy yo la que aprendo muchísimo de los alumnos, para mí es una oportunidad increíble, un privilegio regresar a la facultad de esa manera. Empezamos en marzo, y una cátedra nueva no se arma de un día para el otro, se tienen que ver los trabajos, los procesos. Es una propuesta artística, más poética, donde está el accesorio pero nace de que el alumno dé algo de creatividad propia, no es una cuestión formal, funcional, y listo. El elemento base es el trabajo del alumno con una referencia que nosotros podemos dar, pero con una mirada interna y lo que uno puede reflejar de lo propio en un ejercicio. A mí me hubiese gustado, en la época que yo iba a la universidad,  poder descubrir este mundo que nadie me había mostrado, tratamos de darles a los alumnos un montón de información, para que puedan acceder desde ahora, yo tardé muchos años en descubrirlo…
LD- ¿Qué pensás de la joyería contemporánea argentina hoy?
GK- Estoy muy lejos, en realidad estoy muy lejos de la joyería en general, cada vez más me pregunto si lo que yo quiero hacer es joyería. Hay joyeros muy interesantes, pero en general hay una joyería muy de diseño, sucede en todas partes, sucede en España que es donde yo me eduqué, que hay una gran escuela con un gran maestro que es muy conceptual. En España hay mucha joyería de diseño, muy buena porque es comercial, está bien acabada, bien terminada, es ponible, pero para mí está falta de significado (hay excepciones, no porque sea seriada puede perder su significado). Aparte, el título: “joyería contemporánea” yo no le encuentro un lugar para mí; y la diferencia entre “joyería de autor”-“joyería contemporánea” no termino de reconocer sus bordes, de entender los límites, qué es lo que pasa con una u otra; no sé que nombre tiene mi joyería, no sé donde ponerla. Me parece que la joyería, en este momento, debería dar un paso más, hasta ahora se ha hecho mucho, pero tiene que haber otro paso hacia delante.
LD- ¿Qué materia no debería faltar en una escuela de joyería?
GK- Proyectos. Es como si a un diseñador gráfico solo le enseñaran CorelDraw o a usar la computadora, si no sale a la calle, lee el diario, entra al supermercado, tiene contacto con la gente, se sorprende con las cosas y no lo habla, no lo comparte, si no puede entrar en un diálogo de cómo plasmar, viene alguien y le dice tenés que hacerme un diseño de  algo, puede ser muy habilidoso con la computadora pero…Todos somos creativos pero hay que potenciarlo, todos somos capaces, yo creo que por eso una materia relacionada con los proyectos ayudaría a encontrar un rincón para poder potenciar lo que tenemos adentro. Además, cuando uno está entusiasmado y tiene ganas de hacer algo, después encuentra la manera. Mi maestro de Massana, Ramón Puig, decía que enseñar técnica sólo desde la técnica generaba que los alumnos se aburran mucho. Cualquier disciplina se tiene que enseñar desde el proyecto para luego poder aplicar y ayudar desde la técnica.
LD- ¿En qué consistiría este paso?
GK- Más cercano al pensamiento artístico, a lo que está pasando en el mundo artístico en este momento. Siempre los joyeros nos quejamos de que la joyería es considerada un oficio y no nos valoran desde el mundo del arte, yo creo que tenemos que entrar más en ese mundo.
LD- ¿Se te ocurre de qué manera?
GK- Experimentando, trabajando, estudiando, conociendo sobre artistas, leyendo, haciendo, definitivamente haciendo, como la vida ¿no? trabajando…

Entrevista Leda Daverio.
Asesoramientos varios: Omar Ardiles.

Muchas gracias Leda por esta entrevista hermosa que forma parte de la serie de intercambios con joyeros contemporáneos en tu espacio "Hilvanadas en zig-zag". 

La otra cara de la identidad.
La joyería contemporánea, el medio ambiente y cómo se construye enunciativamente.

La identidad es una cuestión que siempre sobrevuela los campos del diseño, sobre todo al sur del mundo’’ reflexionaba Luján Cambariere en el 2004 a propósito del Foro Argentino de Diseño. Aquel pensamiento puede abrir diferentes interrogantes sobre la idea de identidad, desde qué es, si existe diseño con identidad nacional, si tiene que ver con una cuestión de estilo regional o con modos de relacionarse con el entorno, hasta el punto que nos interesa, cómo se revela la identidad en la joyería local.
Si seguimos navegando por el terreno del diseño argentino y nos quedamos explorando por estas zonas es fácil detectar que la identidad es revalorizada en este tipo de producciones. Se enaltecen tanto modos de hacer artesanales (como por ejemplo la cestería), el paisaje, o materiales típicos de cada zona. Esta revalorización no hace más que destacar lo positivo de la identidad nacional, pero si consideramos a la joyería dentro del ámbito del diseño la cosa cambia. Si bien es posible hallar revalorización de lo artesanal, de los materiales locales, entre otras, existen casos como el de Guigui Kohon que pone en jaque esta idea de lo nacional como mostración de algo positivo y su vez pone en diálogo la joyería argentina con obras ubicadas en otros puntos del mundo que trabajan sobre el mismo tema: la identidad nacional que no queremos ver.
La obra de Kohon en cuestión se llama 100/100 basura de joyería y trata sobre la minería a cielo abierto: una actividad en constante expansión en nuestro país. La pieza, muy ligada a ciertas prácticas artísticas, consiste en un broche de acrílico que cual medalla militar ostenta sus logros, aunque en lo individual pasen desapercibidos: en el fondo del broche una foto de la mega minera Veladero, en el frente un contenedor acrílico que dentro lleva los restos de la basura del proceso de joyería (polvo de plata), y en el dorso las nomenclaturas de los materiales de desecho liberados en el proceso de extracción (mercurio, zinc, cianuro de sodio, plomo, entre otros).
Pero la obra no es solo una medalla, es una foto o mejor dicho son dos fotos: una de Rubén Digilio, de la minera Veladero (1), que fue utilizada como fondo para los 100 broches (cada uno es un recorte de esa gigantografía) y otra que protagoniza Kohon de frente a la cámara, de espaldas a la mina, tapándose la cara pero entreabriendo una mano y espiando por la ranura. Estas fotografías se encuentran en un libro/catálogo, en su tapa se colocaba la medalla, y en cuyo interior la autora dice:“Todo comenzó a partir de varios cuestionamientos sobre mi trabajo: ¿Qué hago yo como joyera?; ¿Cuál es mi relación con mi entorno? Y fue así que empecé a investigar sobre las minas a cielo abierto, ubicadas en espectaculares parajes inaccesibles, escondidos a los ojos y al conocimiento de los pueblos. Son un presente y un devenir incierto. ¿Por qué lo veo tan terrible y escondido? ¿Por qué escucho esos truenos de polvo, esa muerte anunciada? Aquí estoy entonces, esperando que este pequeño murmullo resuene, como un eco, y no se pierda en la soledad’’.
La obra pone en cuestión dos problemáticas, por un lado la no visibilización de las prácticas mineras en Argentina, las cuales son cada vez más comunes, y por otro lado el estrecho vínculo entre la joyería y la minería. En Veladero se extraen oro y plata, el mismo metal que aparece como basura en el frente de los broches de Kohon. Esta mina en particular sufrió un derrumbe masivo entre el 2007 y 2008 de desechos detríticos (2), en septiembre del 2015 sucedió un derrame de cianuro, un año después ocurrió lo mismo, y en marzo del 2017 volvió a ocurrir.
100/100 Basura de Joyería expone entonces lo problemáticas que son este tipos de prácticas para las poblaciones y la compleja relación entre joyería y los modos de extracción de sus materias primas. La obra visibiliza lo que la ciudadanía no quiere ver, y lo que la comunidad joyera, a priori, tampoco. ¿Por qué a priori? Lo cierto es que existe un movimiento cada vez más grande a nivel global denominado orfebrería ética en la que se encuentran joyeros que militan el uso de oro extraído en condiciones mineras responsables, transparencia en la cadena de trabajo y la reducción de impacto ambiental. Una de las organizaciones más importantes es Fairmined “un sello de aseguramiento que certifica oro de organizaciones mineras artesanales y de pequeña escala (MAPE) responsables’’ (3), la cual no tiene base en Argentina pero sí en otros países de Sudamérica como Perú y Ecuador.
Ahora bien, la obra de Kohon propone entonces una articulación sobre la identidad en términos negativos (en comparación con otras piezas de diseño locales) que consiste en dos vertientes, la primera la concientización dirigida al usuario de la joya, o al espectador: esa persona que se acerque al libro para mirar la medalla, o incluso si la compra y decide llevarla en su cuerpo, obtiene, idealmente, un nuevo conocimiento. En vez de espiar como hace Kohon en su obra, en vez de estar en ese limbo entre ver y no ver, al espectador se le corren las manos de la cara para ver la mina en todo su esplendor. Pero además el mismo gesto se repite para los integrantes de la comunidad joyera, quienes lamentablemente suelen ser la mayoría del público, aunque acá el señalamiento no pasa solamente por ver desde el lugar de ciudadanos lo que sucede en las minas, sino que apunta a cuestionar la práctica joyera en sí.
Portar la denuncia no es algo novedoso, los pines con consignas políticas, las cintas, las pulseras o awareness bracelets que se usan en distintas beneficencias, etc., son algunos ejemplos de la relación entre joyería y denuncia. 100/100 Basura de Joyería se pone en diálogo entonces con una larga serie de joyas que visibilizan distintas causas, aunque con recursos conceptuales ligados al arte y no simplemente a un colectivo que demanda o protesta por diversas cuestiones. En este sentido es posible ubicarla junto a trabajos como ‘’Culturing the body: a social experience’’ de Roseanne Bartley. En esta serie Bartley realizó un conjunto de 100 broches en los cuales se inscribían ciertas palabras tales como ‘aussie’ (australiano), ‘battler’ (luchador) , ‘digger’ (cavador), ‘ordinary Australian’ (australiano común), ‘mateship’ (compañerismo), ‘pioneer’ (pionero), ‘queue jumper’ (un modo despectivo de nombrar a los inmigrantes ilegales), ‘sorry’ (perdón) (4), ‘un Australian’(antipatriótico, dirigida de un hombre hacia otro implica un cuestionamiento hacia la virilidad). La misma Bartley comenta: ‘’ Elegí estas palabras por su especificidad cultural. Sus significados habían evolucionado ya sea como definiciones del carácter australiano arquetípico, por ejemplo, luchador o cavador, o en asociación con debates australianos más recientes sobre la identidad nacional’’. Si bien este proyecto apunta a cambiar las relaciones del usuario con el ambiente a partir del uso de estas joyas, comparte con Kohon el visibilizar y poner en el cuerpo aquello que hace a la identidad nacional, pero que sin embargo no suelen considerarse identitarias.
Otro caso similar es el de la exhibición realizada en México y San Francisco llamada ‘’La frontera’’, en la que se expusieron obras de diversos joyeros que tematizaban problemáticas como los cárteles de droga, la inmigración ilegal, y la creciente violencia en México. En esta exposición vuelve a realizarse el mismo gesto, se señala aquello de lo que no se habla o se intenta acallar, ’’una de las dolorosas pero necesarias lecciones del México contemporáneo es que para sanar los efectos de la violencia no se la puede mantener oculta. Debe hacerse visible para que podamos enfrentarlo como sociedad.
Después de todo lo dicho, algunas de las piezas de la exposición La Frontera han logrado encontrar un lugar en mi noción personal de ese paisaje árido y rico en historia que es nuestra frontera norte; un territorio que desempeña un papel tan definitorio en darle a México su lugar particular, ya veces terrible, en el mundo de hoy’’, dice Jose Wolffer en una reseña para AJF. Greetings from Mexico or Souvenirs from the Border, 2013, Kerianne Quick Mostrar la violencia cotidiana, los insultos que escuchamos todos los días, la contaminación que negamos, todo esto con una joya.
Es imposible medir realmente los efectos de ese portar la denuncia, pero al menos aquel que espía por entre las rendijas de su mano, sabiendo que hay algo que no está queriendo ver, descubra su rostro ante estas prácticas que el no ver termina naturalizando. Quizás llevar la basura, no producto de la joyería sino de las mineras, en el cuerpo habilite a una pregunta desconcertada acerca de qué es eso que cuelga y pareciera no tener sentido, cuya respuesta sea mostrar aquello que explota y contamina y que el negar tampoco pareciera tener sentido, por ahí ese gesto convierta a la joyería en algo más que un simple adorno.

Florencia Kobelt. UNA, Crítica de Artes. BsAs, 2017.


1.- En el mes de octubre de este año se anunció la reapertura de las minas Veladero y Pascua
Lama. En septiembre El Cronista relataba cómo el director general de Latin Resources, Chris Gale, señaló que "existe oportunidad para desarrollar una mina a cielo abierto" en San Luis. A su vez China Latin American Industrial Cooperation Fund (Claifund), planeaba en el mismo mes, según el diario Hoy el 23 de septiembre, una unión estratégica en conjunto con el ICBC, el China Development Bank y el Eximbank para asociarse a empresas que ya estuvieran explotando yacimientos mineros en el país, y la lista puede continuar.
2.- Material suelto o sedimento de rocas.
3.- Para más información
4.- ‘La palabra "lo siento" está muy politizada en Australia y está asociada con el tema de la reconciliación, en particular el hecho de que el gobierno de Howard no se disculpó formalmente con la "generación robada". La 'generación robada' son los niños aborígenes que fueron retirados de sus familias y colocados en orfanatos u hogares de acogida, una práctica que continuó hasta la década de 1970. A fines de la década de 1990, miles de personas en toda Australia se unificaron en su deseo de que el gobierno se disculpe formalmente ante las "generaciones robadas" (…) El primer ministro John Howard se negó a usar la palabra "lo siento", ya que su declaración habría comprometido políticamente la posición dura de su gobierno (…) . A diferencia de la mayoría de los países en esta posición, por ejemplo Nueva Zelanda y Canadá, Australia no ha priorizado el proceso de reconciliación como parte de un ejercicio de construcción nacional del siglo XXI. En cambio, ha sido tratado con miopía y se ha tratado como un problema para polarizar aún más a la comunidad’’ Roseanne Bartley extraído de

Mundos Cruzados
Centro Cultural Coreano, BsAs. 2019.

Mundos cruzados propone un recorrido por la labor de siete artistas mujeres de Argentina, con un punto en común: la salida al encuentro de Corea como inspiración para la creación.

Países que están en las antípodas del planeta se ponen en relación para dar espacio a la producción. La tarea de las artistas se vuelve una especie de alquimia cultural, en la cual se interpreta un mundo lejano con la percepción local y las herramientas cotidianas. Un foco libre sobre un país que se reconoce en un nuevo lugar en el entramado de naciones.

La pregunta sobre lo otro, lo similar, lo diferente, lo alcanzable y lo inteligible interpelan a las artistas y a las tierras lejanas en donde posan su mirada.

La danza de colores, técnicas y estilos de Mundos cruzados sugiere que las posibilidades de interpretación son incontables y a la vez simultáneas ¿Será el giro sincrónico de dos países que a veces parecen diacrónicos? Como cosmogonías culturales, entre ellas lejanas, que se debaten con los tiempos ajenos y propios.

La presentación de obras del acervo personal de cada artista junto con las creadas en alusión a Corea transforma el recorrido en un espacio multidimensional de sensaciones plasmadas en lienzos. De lo geométrico a lo figurativo, del desorden plástico al rigor de las líneas, del plano dimensional al exceso de espesor, las visiones personales de cada artista involucrada contribuyen al desarrollo de una forma que traza un camino entre dos mundos que por un momento convergen en la obra para darse a la fuga de los imaginarios.

Gabriel Presello. Centro Cultural Coreano, 2019.

C.C.Coreano, BsAs.